“Matisse, le tailleur de lumière”, d’Isabelle Bony (2019, 52 min)

Un élément biographique de Matisse (1869-1954) sert à entrer dans une partie peu connue de son œuvre : sa santé est déterminante. A plus de 70 ans, souffrant d’un cancer, c’est désormais assis (on le verra en fauteuil roulant) que l’artiste peut travailler : il entreprend la découpe de papier, et va renouveler l’art du vitrail.

Des repères historiques et des ressources documentaires indiquent des références ou sources d’inspiration, sur du long terme : installation de Matisse à Nice à partir de 1917 – occasion de belles vues sur les paysages, les ciels, les plantes ; départ pour l’Océanie, où il reviendra en 1936, puis voyage à New-York et ensuite Tahiti, lieu évoqué par un extrait de Tabu, de Murnau ; écrits de Matisse et dessins de vagues, de poissons ; extraits de radio où Matisse explique son travail ; actualités filmées sur la réalisation de vitraux pour Notre-Dame des Douleurs ; travail dans un atelier de vitraux à Montparnasse, devenu, selon Matisse lui-même, un « lieu de mémoire ».

Le travail ouvre des perspectives, car, pour l’artiste, le vitrail présente une double propriété : il réfléchit ou traverse la lumière. Et celle-ci, avec la couleur, reste essentielle. De beaux effets sont ainsi rendus dans le film : les reflets des vitraux sur le sol laissent une impression de relief, le sol semblant se creuser, provoquant moins un effet de miroir qu’un effet de profondeur.

Les recherches formelles sont explicitées par le commentaire : couleurs mises en contrepoint, « jaune intense, bleu et vert opaques, en lien direct avec la lumière » ; intégration d’éléments géométriques, carrés, rectangulaires ; importance du motif (exemple de l’abeille) par rapport au fond ; représentation d’un mouvement, illustrée par un extrait de film de Jules-Etienne Marey, qui, comme on le sait, s’attachait, par le cinématographe naissant, à rendre visibles en les décomposant image par image les mouvements humains ou mécaniques.

Ce type de création artistique ajoute un autre caractère aux œuvres : les vitraux passent par les variations de lumière au cours du temps, l’intégration de la temporalité dans un vitrail n’étant pas nécessairement attendue. Autre innovation essentielle, les relations entre composition picturale et dimension architecturale, qui changent la perception d’une création artistique ; tout l’édifice devient partie prenante de l’œuvre, non uniquement son lieu de réception : « la construction doit s’adapter au vitrail, non le contraire », conclut Matisse.

“La Tentation du réel, l’Agneau mystique des frères Van Eyck”, de Jérôme Laffont et Joachim Thôme (2019, 66 min)

Les auteurs comparent leur « expérience sidérante » devant ce triptyque démesuré (5 x 4 mètres), au musée de Gand, à la fuite des spectateurs de cinéma lors de la projection de L’Arrivée du train en gare de La Ciotat, des frères Lumière – bien que l’on sache qu’il s’agit d’une légende. Mais importe la comparaison pour exprimer l’impression ressentie.

En effet, ce triptyque, datant de 1432, donne l’idée d’une coprésence d’extrêmes, de l’infiniment grand à l’infiniment petit. Le cinéma rend compte de ces deux « dimensions » en se faisant, selon les auteurs, « télescope ou microscope ».

Outre des mouvements de caméra de bas en haut et de haut en bas, le gigantisme de la toile est souligné par rapport à taille humaine, ombre d’une personne qui semble minuscule. Comme en contrepoint à l’immensité de l’œuvre et à la petitesse des gens, les visages des intervenants, qui s’adressent au réalisateur, sont montrés en très gros plan : commentateurs extérieurs, ils sont mis en scène non seulement analyser l’œuvre mais aussi pour rendre compte de l’échelle de plan.

Toujours en termes de taille, d’infimes détails, de quelques millimètres, peuvent être saisis grâce aux procédés du cinéma, en l’occurrence le zoom. Là, intervient un débat entre historiens : les détails sont destinés à Dieu et à l’éternité ; ou bien, ils donnent la possibilité aux commanditaires de voir les surfaces complétées au fur et à mesure de la fabrication de la toile. Cette hypothèse renvoie aussi à l’histoire économique de l’art : une œuvre de cette envergure a été commanditée par de riches marchands. En outre, l’analyse très attentive des œuvres livre des observations inattendues ou rares : les ombres sur la peau des personnages peuvent révéler leur état de santé ; un restaurateur a également repéré un regard étrangement humain à l’agneau, qui se confond avec celui des frères Van Eyck.

Tout au long du film, il est question de « réalisme révolutionnaire » du tableau ; des « formes, matières, lumières : illusions visuelles » ; des « effets de trompe l’œil » ; d’une eau qui coule et « évoque le son », etc. Autant de considérations qui conduisent les auteurs à parler d’une « expérience multimédia » à propos de ce retable, qui peut les faire penser à Andy Warhol.

Les techniques d’hier et d’aujourd’hui sont mises en relation dans une perspective scientifique. Il est dit que la peinture à l’huile permet de reproduire toutes les subtilités de la lumière. On feuillette également un ouvrage d’époque, d’un grand format : « phénomènes optiques, réflexions et réfractions ». Ce traité d’optique reste actuel quand on voit David Hockney proposer la thèse suivante : le triptyque a été réalisé avec l’aide d’un miroir grossissant, aux surfaces courbes, permettant de visualiser les ombres et les perspectives ; sans ces lentilles de miroir, il serait impossible de voir les arbres, les portraits, tels qu’ils sont représentés. Hockney en fait la démonstration esthétique et technique : il projette les arbres sur un mur avec un miroir de ce type et dessine les contours de l’image ainsi formée.

On reste sur un final étudié, à la mesure de l’œuvre et des impressions qu’elle suscite : on referme le retable, dans une demi-obscurité, sur fond musical, comme dans un moment de recueillement.

« Écho de la peinture », de Pauline Lafille (2019, 11 min)

La Bataille de San Romano, de Paolo Uccello, donne lieu à la recherche de sons qui pourraient être associés à la peinture, le son étant considéré par l’auteure par comme un « aiguillon du regard », dans une démarche concernant l’histoire du sensible et l’histoire culturelle.

Il ne s’agit pas d’entreprendre une « sonorisation » de la toile, mais d’évoquer un écho, tenant les traits de la toile comme une anticipation des lignes sonores et proposant une gamme de sonorités : exemple d’un fond sonore lointain, assourdi, suivi de notes plus claires ; ou bien, en animant le tableau pour faire ressortir des sons, avant de revenir image fixe. Dans cette perspective de bruitage du tableau, la réalisatrice avance « espérer que la peinture se mette à parler, comme le cinéma ».

Evoquer ou susciter des sons, faire appel à d’autres sens que la vue, sont là d’autres potentialités d’une œuvre, que le cinéma peut rendre concrètes.

« ‘Le Verrou’, Fragonard, vers 1775-1777», d’Alain Jaubert (1992, 30 min)

Un homme et une femme dans une chambre, dans un mouvement d’étreinte, l’homme poussant le verrou de la porte. Le film procède à une sorte de reconstitution rapide : avancée sur la porte de la chambre, rires off, halètements, tout en se déplaçant sur le tableau, comme une invite à entrer dans une scène, ouvrant sur une description détaillée, accompagnée d’un chant lyrique.

En reprenant les différents dessins sur le sujet, la toile, marquant une plus ou moins grande proximité de ces exercices préparatoires, peut être considérée comme un instantané, la saisie du moment d’une action, ensemble de dessins réunis en un seul plan, manière aussi de rendre compte d’une temporalité. On assiste à une « composition agrandie et simplifiée pour ne pas distraire le regard », le film soulignant par des traits de couleur « la diagonale de la lumière et un réseau de plis modulés ».

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“Hokusai, La Vague – La Menace suspendue”, d’Alain Jaubert (1999, 30 min)

Dans La Vague (1831), par Hokusai (1760-1849), un désastre est évoqué la menace d’engloutissement d’une frêle barque chargée de marins par une gigantesque vague, dont les traits suggèrent l’amorce, le développement, le déferlement, manière aussi d’intégrer le temps dans un tableau.

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“Géricault, Le Radeau de la Méduse – La Beauté du désastre”, d’Alain Jaubert (2002, 30 min)

Pour Le Radeau de La Méduse (1818-1819), de Théodore Géricault (1791-1824), représentant les 147 rescapés du naufrage de « La Méduse » (dont 15 ont survécu 13 jours entassés sur un radeau, et se sont livrés à l’anthropophagie), « Théodore Géricault tente de raconter tout en une seule scène » : c’est ainsi que le commentaire explique la manière dont le temps est intégré dans une image fixe. Cette voix off est là aussi pour indiquer les sources d’inspiration et les moyens utilisés pour exprimer la douleur vécue par les naufragés : on apprend ainsi que le peintre a emprunté des cadavres pour analyser la tonalité des chaires mortes, démarche esthétique qui a eu pour conséquence une accusation à l’époque d’un « goût morbide » ; de même, pour montrer la souffrance collective, il avait peint des « corps entrelacés », représentation qui a suscité l’ironie considérant une forme d’érotisme dans cette vision ; ou encore qu’il avait assisté en Angleterre à la « monstruosité placide des exécution ». Enfin, peindre des visages tournés vers les spectateurs dans un tableau qui peut être considéré comme un « monument d’excès » fournit un exemple de la modernité du peintre.

« Palettes », d’Alain Jaubert

« Palettes » donne un exemple d’utilisation du cinéma en explorant les toiles par d’amples mouvements de caméra, de l’ensemble au détail et inversement, description fine de toutes les parties du tableau, accompagnée d’un commentaire « off » sur un ton bien affirmé, sans emphase, comme pour une visite guidée, sans se montrer prescripteur.

La collection suit une méthode consistant à faire l’historique de l’œuvre, des origines (esquisses, dessins préparatoires représentant le geste de l’artiste) jusqu’à sa postérité (sa réception au fil du temps, la circulation de l’œuvre, son entrée au musée ou en collection), en passant par des données biographiques de l’auteur, le tout en s’appuyant sur une large documentation – archives, textes d’époque, ouvrages, lettres, manuscrits, gravures, etc. – et donnant le sentiment d’une enquête minutieusement menée, donnant lieu à une reconstitution très élaborée.

Afin de mettre en valeur la composition picturale de l’œuvre, les films recourent à différents moyens, comme des traits ou flèches en couleurs sur la toile, désignant des parties du tableau à bien observer (personnages, objets, dispositions sur la toile), faisant ainsi prendre aux films un caractère pédagogique (non recherché à l’origine, selon le réalisateur).

« Le Subtil Oiseleur, Foucault de Vélasquez à Picasso », d’Alain Jaubert (2020, 60 min)

Narration par Fanny Ardant.

A l’origine, un texte de Michel Foucault, rédigé d’après une proposition de la Galerie Maeght en 1970, sur le thème de la disparition du peintre, d’après Les Ménines, de Diego Velázquez (1656-1657), écrit resté sans suite à l’époque, et qui avait pour objet la recherche des traces laissées par le peintre. Le tableau, pour sa part, avait inspiré à Picasso 58 variations (1957).

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Lectures de vacances

Illustration fournie par Laurence Martin-Brenneur

Pour la période estivale, le carnet de l’APPIA inaugure une nouvelle formule avec la publication planifiée d’une série de fiches sur des documents audiovisuels. Cette série a été inspirée par les Journées internationales du film sur l’art, qu’a pu suivre Nicolas Schmidt. Ses notes de visionnage nous permettent de nous interroger sur la manière dont les films contribuent à la médiation des objets patrimoniaux. En l’occurrence, il s’agira majoritairement du patrimoine artistique entendu comme œuvres relevant des Beaux-Arts. Les autres formes artistiques ne sont néanmoins pas absentes des films vus et recensés par Nicolas Schmidt. Un film sur la danse oriente par exemple la réflexion vers le patrimoine immatériel. D’autres nous invitent à explorer les espaces et les territoires de la ville.

Voici donc le calendrier des publications de fiches sur les films. Une synthèse sur cet ensemble et les JIFA sera mise en ligne mi-octobre, en guise de conclusion.

Bon été et bonne lecture!

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Charles Pathé et Ferdinand Zecca exposés par Henri Langlois

En lien avec la séance organisée à la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, j’évoquerai brièvement la place donnée à Charles Pathé et Ferdinand Zecca dans les activités d’exposition de la Cinémathèque française.

  • La cinémathèque-musée du cinéma, espace de l’histoire et de la mémoire

Le 11 juin dernier, la sélection de films proposée s’inspirait d’un des programmes composés par Henri Langlois dans le cadre des programmations annuelles qui étaient données à la cinémathèque française-musée du cinéma dans les années 1950. En l’occurrence, le programme s’intitulait « Le cinéma français : Zecca et le réalisme ». Il fut, d’après la brochure-programme que nous avons consultée, donné le 8 mai 1951 lors de trois séances successives dans cette même soirée (à 18h30, 20h30 et 22h30), dans le cadre du cycle annuel « 50 ans de cinéma européen ». Ce programme se composait de 14 films et avoisinait les deux heures. Il s’agissait ainsi d’aborder la figure, mythique, de Langlois programmateur.[1]  

Il s’agira ici de resituer cette séance dans la série des manifestations autour de Charles Pathé et/ou Ferdinand Zecca organisées sous le mandat de Langlois à la Cinémathèque française.

Séance du 11 juin 2021 à la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé
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Mashup et société: écologie et recyclage créatif

Une conférence « Mashup & Société », nous a réunis avec Alain Zind et Némésis Srour dans le cadre de Mashup Film Festival 2020.

  • Sur le thème écologie et recyclage créatif : le programme « Mash moi vert » du MFF2020

Pour réfléchir au sujet « Mashup et société », avec en tête les thèmes de l’écologie et du recyclage créatif, le MFF2020 offrait avec le programme « Mash moi vert » un ensemble de films assez représentatifs , dont j’ai extrait certains des exemples cités en note de fin de texte.

Un certain nombre de films y évoquaient les interactions entre les êtres vivants et leur milieu. Il y avait, d’une part, des films mettant en cause le saccage de la faune et de la flore par l’être humain. D’autre part, selon une approche presque inverse, certains films questionnaient les moments où la nature reprend ses droits et les implications sociales de ceci ; ici, on peut spécifiquement penser aux films nés du confinement.

Une des questions posées en amont de cette rencontre était : « Comment le mashup éclaire-t-il de façon ludique des enjeux de société profonds ? ». Voici quelques pistes pour contribuer à une réponse collective. Préalablement, il m’a semblé utile de me demander pourquoi le mashup a le potentiel d’éclairer ces faits sociétaux ?

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Les 150 ans de la Commune de Paris à Villejuif

Focus

L’année 2021 est marquée par les 150 ans de la Commune de Paris. La Municipalité de Villejuif célèbre la commémoration par une exposition évolutive en extérieur, dispositif qui permet à la fois de répondre aux contraintes sanitaires imposées en France jusqu’au 19 mai (date de réouverture des musées) mais aussi de placer la manifestation au cœur de l’espace public. Du 21 avril au 24 mai, sur l’esplanade Pierre-Yves Cosnier, devant l’Hôtel de Ville et la Médiathèque Elsa Triolet, se déroule le circuit proposé aux passant.e.s.

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Programmer en ligne pendant le confinement: interview avec la Cinémathèque de Bretagne

Capture d'écran d'attente d'une séance de la Cinémathèque de Bretagne sur la plateforme la 25e heure

Dès les premiers jours du confinement de 2020, la Cinémathèque de Bretagne s’est distinguée par une importante mise en ligne de films issus de ses collections. Gaïd Pitrou, Directrice de la Cinémathèque de Bretagne depuis le 4 janvier 2021, a synthétisé pour nous les évolutions des propositions en ligne entre les différents confinements intervenus au cours des derniers mois et évoqué l’éventualité de pérenniser certaines de ces activités. Nous la remercions chaleureusement pour cette contribution, ainsi que les personnels et administrateurs/trices de la Cinémathèque de Bretagne qui ont participé à ce retour sur expérience.

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Programmer les films d’archives en L3-Cinéma, ou “La couleur dans les films-essais de la Deutsche Kinemathek”

Dans le cadre de cette série sur la programmation des films de patrimoine, j’ai le plaisir de partager ici un extrait du devoir de l’une des élèves de L3-Cinéma inscrite au cours d’histoire que j’ai donné cette année à l’Université Paris 8. Pour ce cours intitulé « A la découverte des archives du cinéma ! », l’exercice de validation consistait à sélectionner une institution patrimoniale parmi la liste des membres de la FIAF disposant d’une plateforme de films, puis, après avoir brièvement présenté l’histoire de cette institution, à composer un programme de 2 à 5 films issus de ses collections filmiques mises en ligne.

Suzanne Jacoulot a proposé la meilleure présentation de films et m’a autorisée à mettre en ligne cet extrait de son devoir.

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