Pour l’automne 2024, les actualités du programme de recherche CinEx sont les suivantes: Continuer la lecture de « CinEx / Actualités automne 2024 »
Protégé : PCTP 2023: Autour des archives de films militants et politiques
Protégé : PCTP 2023 : Séminaire “Le patrimoine cinématographique, entre théories et pratiques”/ Programme
Exposition en ligne « Frames of Reconstruction. Réalités et visions de l’Europe retrouvée. Le film documentaire dans la culture visuelle de l’après-guerre ».
Début octobre 2022 a été inaugurée l’exposition en ligne « Frames of Reconstruction », réalisée par l’équipe européenne du projet de recherche ViCTOR-E (Visual Culture of Trauma, Obliteration, and Reconstruction in Post-WW II Europe). Le cinéma de non-fiction sert de fil rouge à cette exposition qui retrace l’histoire visuelle de la Reconstruction de l’Europe de l’après-Seconde Guerre mondiale. À la fois média, témoin et agent des transformations de l’après-guerre, le cinéma de non-fiction s’inscrit à la croisée d’enjeux artistiques et esthétiques, mais aussi politiques, culturels, sociétaux et économiques. L’exposition propose une sélection de certains de ces films (une centaine) réalisés en Europe entre 1944-45 et 1956.
La plateforme ImagesDéfense
Le 18 septembre 2021, le Ministère des Armées a annoncé, à l’occasion des Journées du patrimoine, la mise à disposition du public de sa « plateforme numérique audiovisuelle »[1] : le site Imagesdefense.gouv.fr. Ce site permet la communication de collections préservées par l’ECPAD–Établissement de Communication et de Production Audiovisuelle de la Défense.
Deux teasers, de 46 secondes et 2 minutes 43, ont été mis en ligne sur la chaîne YouTube de l’ECPAD, autre interface en ligne permettant au grand public d’accéder aux images animées de l’ECPAD et à ses produits audiovisuels[2]. L’objectif de cette nouvelle plateforme est d’inviter à « partir à la rencontre d’un patrimoine inédit à travers plus d’un siècle d’histoire des armées françaises » et, à coup sûr, de « découvrir des trésors exceptionnels »[3] .
Continuer la lecture de « La plateforme ImagesDéfense »L’Œil, le pinceau et le cinématographe. Naissance d’un art
En lien avec l’exposition Enfin le cinéma!, APPIA propose une fiche sur le documentaire : L’Œil, le pinceau et le cinématographe. Naissance d’un art, Stefan Cornic, Arte France, Beal Productions, Musées d’Orsay et de l’Orangerie, 2020, 53 min. ; produit par Jean-Marie Nizan ; voix : Vimala Pons
Les Journées internationales du film sur l’art, 2021
Pour leur 14ème édition, du 22 au 31 janvier 2021, les Journées internationales du Film sur l’art, organisées par le Musée du Louvre (présentées en ligne depuis l’auditorium de l’établissement, compte tenu de la crise sanitaire), ont traité de « La correspondance des arts » en associant peinture et sculpture, littérature, dessin, histoire, danse, philosophie, bande dessinée…
Portant sur des œuvres et sur des artistes, les films diffusés étaient accompagnés, en direct, de rencontres avec les réalisateurs ou des spécialistes de ces créateurs. Avec cette programmation, le festival nous permet d’interroger les modalités de transmission du patrimoine artistique à travers le film.
Continuer la lecture de « Les Journées internationales du film sur l’art, 2021 »“Paris calligrammes”, d’Ulrike Ottinger (2019, 129 min)
Film sorti en salle le 14 octobre 2020.
La librairie « Calligrammes » – nom donné en référence à un poème d’Apollinaire – a été fondée à Paris dans les années 1930, par Fritz Picard, Juif allemand réfugié en France, devenu un lieu d’accueil et de rencontre pour créateurs et auteurs de tous horizons ; un livre d’or qu’on feuillette, rempli de signatures, dessins, dédicaces, rend compte de ses riches heures.
Continuer la lecture de « “Paris calligrammes”, d’Ulrike Ottinger (2019, 129 min) »“J’ai aimé vivre là”, de Régis Sauder (2019, 89 min)
Film sorti le 29 septembre 2021.
De la ville nouvelle de Cergy en région parisienne, les habitants, interrogés ou en voix off, témoignent comme d’un « lieu sans passé, d’une ville surgie de terre » ; parlent de « non – lieux, non personnes » ; expriment le sentiment d’être « étrangère, intruse ». Mais les habitants laissent des traces, à l’image de cette inscription sur une passerelle : « On ne voit bien qu’avec le cœur » ; ou bien, la célébration des 50 ans de Cergy, qui marquent aussi les 15 ans de la formation musicale La Ruche ; ou encore, au passage, une sculpture de Don Quichotte – qui prendrait une forme d’allégorie tant les habitants des villes nouvelles paraissent aux prises avec de grands ensembles démesurés ; ainsi que des pratiques collectives : un cercle de silence, dont les participants disent : « Notre silence crie ».
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“Giacomo Casanova”, d’Alain Jaubert (1998, 100 min)
Le dernier film de ces journées portait sur un personnage dont le nom est bien connu, mais dont on dispose de peu de portraits, « deux sûrs », que le film nous fait découvrir.
Mais reste surtout de Casanova (1725-1798) son œuvre, Histoire de ma vie, inachevée malgré les 3670 pages disponibles, manuscrit rédigé en français, dont le film montre l’original, impressionnante compilation de feuillets.
Continuer la lecture de « “Giacomo Casanova”, d’Alain Jaubert (1998, 100 min) »“Le Manège de Yankel”, de Christian Tran (2020, 60 min)
Tourné en Ardèche, le film devait à l’origine être une expérience, puis est devenu un documentaire, explique le cinéaste.
On fait ainsi connaissance avec Jacques Kikoïne, dit Yankel, mort à près de 100 ans, en 2020, peu après le tournage du film. Un temps « passé comme un éclair » avait dit l’artiste.
Son atelier donne l’impression d’un capharnaüm, voire d’une caverne pleine de trésors, d’une antre où l’artiste aurait concocté on ne sait quelles créations. C’est le cas d’un livre acheté dans une brocante, qu’il a rempli avec des journaux, peintures, de « fleurs séchées comme dans un vieil herbier » ; ou d’un catalogue, dans lequel il colle des bouts de papier sur des pages blanches, documents faisant l’effet de grimoires imagés, laissant aussi une impression de griffonnage, barbouillage, hors de toute règle académique.
Continuer la lecture de « “Le Manège de Yankel”, de Christian Tran (2020, 60 min) »“Aubrun, l’absolue peinture”, de Frédéric Pajak (2019, 57 min)
On fait connaissance avec cet « artiste peu connu, à l’allure d’un artisan » ainsi que le présente le commentaire – mort en 2009, à 74 ans – par des films de famille, noir et blanc et couleurs, avec femme, enfants, jardin, chien : images d’une vie paisible, sereine, dans de beaux paysages du sud ; on découvre en même temps sa demeure : une ancienne maison de retraite de compagnie de Jésuites, un lieu qui a une histoire et voué à nouvelle utilisation, l’enceinte de la bâtisse étant explorée par la caméra, tout comme l’artiste en a fait le tour, d’autant que le bâtiment se situe près d’un cimetière où lui-même repose.
Est proposée une approche sensible de la personne : témoignages de ses descendants – il a eu six filles ; photo de lui en noir et blanc donnant un effet de relief à son visage, lui faisant prendre l’aspect d’une œuvre, sans être un autoportrait ; ton de confidence, qui fait entrer dans l’intimité sans être indiscret, le film exprimant une admiration légitime de la part de l’auteur ; documents : un cahier écrit, sans date des œuvres, ainsi qu’un livre, couvrant son travail de 1961 à 2008, sorti en 2012, dont on discute le choix de papier et de mise en page, reprise des toiles antérieures ou dessins d’enfance, de jeunesse, mais que le peintre ne considère pas comme des esquisses. Se « dessine » ainsi une vie vouée à la peinture, même si son père, psychiatre y était opposé, ou s’il dit lui-même aller « à l’atelier comme on va à l’usine, sans attendre l’inspiration », loin donc d’une idée de vocation.
D’autres films amateurs sur la Sainte-Victoire visent à donner l’idée de ses créations, pour introduire le sujet du peintre : la lumière. C’est ainsi qu’il compare la lumière à Arles et à Aix-en-Provence, respectivement métallique, abrupte ; évoque lumière du Nil la tombée du jour… Le peintre va même au-delà de cet élément essentiel, puisque, expliquent les commentaires, l’artiste s’attache à saisir l’invisible, en peignant « la réverbération de la lumière, plus que la lumière elle-même ». Son œuvre tient dans la recherche des « vibrations, de la transparence, de la fluidité », le peintre disant devoir beaucoup à Cézanne, tout en égrenant d’autres références, les impressionnistes, et Turner, Claude Lorrain, Ingres, Manet… Il se débarrasse de la forme puis de la couleur, puis de la matière – on le voit travailler sur des sortes de pâtes très épaisses – avec une autre référence : le carré blanc sur fond blanc de Malevitch. Enfin, ses toiles noires font figure de testament, « ultime bataille entre ombre et lumière ». Le film développe ainsi l’image d’un « peintre à part ; il le sait, tout le monde le sait ».
“Jaume Plensa. Can You Hear Me ?”, de Pedro Ballesteros (2020, 75 min)
Les sculptures du catalan Jaume Plensa se prêtent à une double approche, aérienne et terrestre, gigantisme et finesse, etc. En effet, le film introduit à son œuvre par le transport dans les airs, par grue, d’une longue tête sculptée, pour être placée dans un champ. Ou bien, des œuvres monumentales peuvent passer inaperçues, comme ces grandes têtes sculptées en fines tiges de métal travaillé, suspendues dans les airs par des fils très fins eux aussi, l’ensemble se fondant dans le volumineux espace d’une verrière et auquel on ne fait pas nécessairement attention si on ne lève pas les yeux. Ou encore, des boules en métal dans les rues, avec lettres sculptées dessus, qu’on peut ne pas remarquer. Et aussi, des allées de colonnes de couleur, qui peuvent passer pour du mobilier urbain, entre lesquelles déambule Jaume en personne. On mesure ainsi cette « importance de l’échelle », comme le dit l’artiste lui-même. Une même impression de contraste se retrouve dans un très vaste atelier où sont réalisées ses œuvres, faisant se côtoyer une extrême précision dans la découpe de métal et le caractère massif des pièces ainsi créées.
Continuer la lecture de « “Jaume Plensa. Can You Hear Me ?”, de Pedro Ballesteros (2020, 75 min) »“Josep”, d’Aurel (2020, 74 min)
Film d’animation sorti en salle le 30 septembre 2020 – repris le 19 mai 2021. Il figurait dans la Sélection Officielle au festival de Cannes 2020, annulé en raison de la crise sanitaire ; a reçu le Prix Louis Delluc 2020 du premier film.
Continuer la lecture de « “Josep”, d’Aurel (2020, 74 min) »“Cunningham”, d’Alla Kovgan (2019, 93 min)
Film sorti en salle le 1er janvier 2020.
Pour Merce Cunningham, mort à 90 ans en 2009, « tout mouvement est possible pour danser, y compris l’immobilité », et, par divers témoignages, on apprend que les recherches du chorégraphe ont fait découvrir des possibilités insoupçonnées. C’est ce qu’on peut retrouver tout au long du film, qui, reprenant des danses créées entre 1942 et 1972, fait entrer dans toutes sortes de ballets perpétuels, commençant par une danse dans un couloir voûté, très brillant, donnant une impression de profondeur infinie, d’une perspective illimitée, comme prélude à une suite ininterrompue et à une démultiplication d’images et de sonorités, ensemble déconcertant notamment pour les non familiers de la danse.
Le regard ainsi dispersé fait de l’écran lui-même une forme de spectacle vivant, un espace scénographique, de chorégraphie audiovisuelle ainsi que le permettent les techniques cinématographiques et numériques, en particulier par la 3D : coprésence d’écrans suivant différents découpages (placés latéralement les uns les autres, bien partagés entre plusieurs images de dimensions différentes, composant une sorte de quadrillage, etc.) ; enchaînements de noir et blanc et de couleurs ; successions sans transition d’un lieu à un autre, intérieur – extérieur ; passages entre ombre et luminosité ; répétitions avec un chronomètre, procédé considéré comme choquant pour certains danseurs par son caractère « froid, automatique », tandis qu’à l’opposé, il est question d’ un « espace ouvert », laissant la place « à la chance, au hasard » ; jeux sur les textes de Cunningham, dits en off et écrits au fur et à mesure qu’il parle et dans tous les sens sur l’écran comme un film d’animation…
Ainsi, il semble que toutes, ou presque, les ressources audiovisuelles soient mobilisées, créant une sensation de vision éclatée, de plongée dans un monde continuellement en mouvement, à un rythme enlevé, accéléré ou ralenti, montage à l’image, déplacements circulaires ou autres selon les espaces ; jeu sur la taille des personnages, minuscules ou tout proches ; très gros plans sur pieds, orteils, mains au piano ; danseurs et danseuses semblant soit se fondre dans l’espace, décors et costumes paraissant le prolongement les uns des autres (exemple d’un harmonieux décor de taches colorées), soit, d’abord immobiles puis se mouvant (comme sur les toits d’immeubles de New-York) dans des couleurs tranchantes, voyantes, rouge, jaune, noir… Dans cette profusion d’images, c’est la construction du film lui-même qui se laisse découvrir, tout comme on voit le travail de danse en train de se faire.