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“Hokusai, La Vague – La Menace suspendue”, d’Alain Jaubert (1999, 30 min)

Dans La Vague (1831), par Hokusai (1760-1849), un désastre est évoqué la menace d’engloutissement d’une frêle barque chargée de marins par une gigantesque vague, dont les traits suggèrent l’amorce, le développement, le déferlement, manière aussi d’intégrer le temps dans un tableau.

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“Géricault, Le Radeau de la Méduse – La Beauté du désastre”, d’Alain Jaubert (2002, 30 min)

Pour Le Radeau de La Méduse (1818-1819), de Théodore Géricault (1791-1824), représentant les 147 rescapés du naufrage de « La Méduse » (dont 15 ont survécu 13 jours entassés sur un radeau, et se sont livrés à l’anthropophagie), « Théodore Géricault tente de raconter tout en une seule scène » : c’est ainsi que le commentaire explique la manière dont le temps est intégré dans une image fixe. Cette voix off est là aussi pour indiquer les sources d’inspiration et les moyens utilisés pour exprimer la douleur vécue par les naufragés : on apprend ainsi que le peintre a emprunté des cadavres pour analyser la tonalité des chaires mortes, démarche esthétique qui a eu pour conséquence une accusation à l’époque d’un « goût morbide » ; de même, pour montrer la souffrance collective, il avait peint des « corps entrelacés », représentation qui a suscité l’ironie considérant une forme d’érotisme dans cette vision ; ou encore qu’il avait assisté en Angleterre à la « monstruosité placide des exécution ». Enfin, peindre des visages tournés vers les spectateurs dans un tableau qui peut être considéré comme un « monument d’excès » fournit un exemple de la modernité du peintre.

« Palettes », d’Alain Jaubert

« Palettes » donne un exemple d’utilisation du cinéma en explorant les toiles par d’amples mouvements de caméra, de l’ensemble au détail et inversement, description fine de toutes les parties du tableau, accompagnée d’un commentaire « off » sur un ton bien affirmé, sans emphase, comme pour une visite guidée, sans se montrer prescripteur.

La collection suit une méthode consistant à faire l’historique de l’œuvre, des origines (esquisses, dessins préparatoires représentant le geste de l’artiste) jusqu’à sa postérité (sa réception au fil du temps, la circulation de l’œuvre, son entrée au musée ou en collection), en passant par des données biographiques de l’auteur, le tout en s’appuyant sur une large documentation – archives, textes d’époque, ouvrages, lettres, manuscrits, gravures, etc. – et donnant le sentiment d’une enquête minutieusement menée, donnant lieu à une reconstitution très élaborée.

Afin de mettre en valeur la composition picturale de l’œuvre, les films recourent à différents moyens, comme des traits ou flèches en couleurs sur la toile, désignant des parties du tableau à bien observer (personnages, objets, dispositions sur la toile), faisant ainsi prendre aux films un caractère pédagogique (non recherché à l’origine, selon le réalisateur).

« Le Subtil Oiseleur, Foucault de Vélasquez à Picasso », d’Alain Jaubert (2020, 60 min)

Narration par Fanny Ardant.

A l’origine, un texte de Michel Foucault, rédigé d’après une proposition de la Galerie Maeght en 1970, sur le thème de la disparition du peintre, d’après Les Ménines, de Diego Velázquez (1656-1657), écrit resté sans suite à l’époque, et qui avait pour objet la recherche des traces laissées par le peintre. Le tableau, pour sa part, avait inspiré à Picasso 58 variations (1957).

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A propos de «Cannes 1939, le festival n’aura pas lieu», film de Julien Ouguergouz

Ce documentaire sur le projet de création du festival international du film de Cannes en 1939 écrit par Julien Ouguergouz et Olivier Loubès, a été diffusé dans le cadre de l’émission « La case du siècle » sur France 5, le 12 mai 2019 (52 mn). 1

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  1. Fiche Inathèque : http://inatheque.ina.fr/doc/TV-RADIO/TV_6443815.001/cannes-1939-le-festival-n-aura-pas-lieu?rang=1 []

« Cannes, un éternel retour ? » : sur Cannes, le festival libre (Frédéric Chaudier, 2018, 52 min.)

Documentaire sur la création du festival international du film de Cannes en 1939. Texte dit par Charlotte Rampling[1] .
A partir d’actualités d’époque, dont certaines en couleurs, et avec des extraits de films de fiction, Cannes, le festival libre propose une histoire double : la création du premier festival de Cannes, avorté, en 1939, qui devait répondre à la Mostra de Venise, toute dévouée au fascisme et au nazisme ; les destinées de ses deux principaux initiateurs, Jean Zay, ministre de l’Éducation nationale et des Beaux-arts du Front populaire, et Philippe Erlanger, chef des services artistiques des échanges internationaux en 1938, tous deux victimes des lois antisémites durant l’occupation, le premier s’engageant dans les combats, emprisonné par le régime de Vichy et plus tard assassiné par la milice le 19 juin 1944, le second recréant le festival en 1946.

“Cannes, le festival libre” de Frédéric Chaudier, Arte tv
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Cannes 1939-Orléans 2019: la ville exposée à l’événement?

Le festival Cannes 1939-Orléans 2019 a donné lieu à de nombreuses manifestations cinématographiques, présentées dans un précédent billet. L’événement s’étendait, cependant, au-delà des salles obscures: se déployant visuellement à l’échelle de la ville.

Théâtre d’Orléans – Façade – Arrivée au festival © IHTP – UMR 8244 – CNRS-Paris 8

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Cannes 1939-Orléans 2019: retour sur un festival

Conçu comme un « grand événement culturel, festif et populaire », le festival Cannes 1939-Orléans 2019 constitue une manifestation cinématographique patrimoniale d’un genre assez nouveau – sinon unique. Il s’est agi en effet de faire voir la sélection initialement prévue en 1939, mais que personne de vit, du fait de l’entrée en guerre, tout en l’intégrant dans une série d’évocations historiques et mémorielles.

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Autour des “Comiques Transatlantiques”…

Titre : Comiques Transatlantiques, de Linder à Chaplin (1910-1925)

La Fondation présente l’exposition d’affiches, photos et documents, au rez-de-chaussée et en sous-sol avant la salle de projection.
Affiches, photos et dessins, en grand nombre, documents originaux, en vitrine et sur les murs, montrent des figures très expressives, suggèrent le mouvement que les spectateurs vont découvrir en film (exemple de Little Moritz), ou bien imposent un personnage, les films s’inspirant les uns des autres, réalisés par échanges, imitations, copies etc. L’ensemble donne une impression de vitalité, d’inventivité, pour un moyen d’expression encore neuf et un genre en grande évolution, sous l’influence en particulier des cinéastes américains, Charlie Chaplin en premier lieu.

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Présentation d’une Table Mashup à la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé

Table Mashup – capture http://www.mashuptable.fr/

Dispositif de manipulation de la matière filmique, la table permet recréer des films en associant des extraits, selon le principe du mashup. Il s’agit d’une table avec écran. le choix des films s’effectue en posant des cartes sur une surface et en les plaçant les unes après les autres, au gré de ses envies, les faisant bouger, et en choisissant des sons à partir de cartes, son évoluant selon sa place sur l’écran, etc.

A l’heure d’une dématérialisation qui se généralise, associer des supports de différentes natures, outil numérique, cartes en papier peut se concevoir – non comme un retour aux sources et encore moins comme une régression – comme une innovation. Il s’agit en effet de tirer parti des ressources existantes et de leurs potentialités, qui se renforcent les unes les autres. Les techniques les plus avancées et toujours en progression proviennent d’autres techniques plus anciennes, chacune apportant sa contribution, résultats d’évolutions de long terme.

Table Mashup, Romuald Beugnon, 2019. D. R.

Lors de l’exposition Comiques transatlantiques, Romuald Beugnon a présenté une table mashup. Il a alors parlé de « rematérialisation », jouant des cartes et des écrans, opération manuelle, ludique et créatrice, utilisant des cartes pour choisir sons et musiques, en pouvant procéder à montage, bruitage, mixage, ouvrant sur une infinité de possibilités. Cette table se veut un outil de recréation, d’appropriation, de collaboration, avec des objets qu’on peut toucher, partager, etc., manière de ne pas rester uniquement dans le virtuel.

La table, qui existe en support démontable pour démonstration, propose, dit le réalisateur, une « quatrième génération d’interface, en passant de clavier à souris, puis de tactile à tangible » ; elle permet de « Faire du soi avec de l’autre ».

De « Peau d’âne » (1970) à « Peau d’âme » (2017) : Pour une archéologie d’un tournage

 

Conférence d’Olivier Weller, « Archéologie d’un film : la fouille d’un conte de fée (“Peau d’âne”, Demy 1970) », École des chartes, 16 juin 2018

Depuis 2012, une équipe d’archéologie, dirigée par Olivier Weller, chercheur au CNRS à l’UMR Trajectoires, a mené des fouilles sur les lieux de tournage du film de Jacques Demy, Peau d’âne (1970), réalisé d’après le conte de Charles Perrault, avec Catherine Deneuve, Jean Marais, Delphine Seyrig, Jacques Perrin.
Les fouilles ont porté en particulier dans le parc du château de Neuville, à Gambay, dans les Yvelines (78), où avaient été construits  les décors de la cabane de « Peau d’âne » et du repaire de la fée, sa marraine.
Ces opérations de fouilles archéologiques ont donné lieu à un film, Peau d’Ame, de Pierre Oscar Levy et Olivier Weller (2017), cf. Shellac, distributeur de Peau d’Ame (cf. livret sur le film, shellac-peau-dame-document-2353).

Dans le cadre des Journées nationales de l’archéologie, l’École nationale des chartes (75002) –  ENC_ProgrammeJournéesArcheol16juin2018 –  a proposé, le 16 juin 2018, des conférences, dont l’une d’Olivier Weller, « Archéologie d’un film : la fouille d’un conte de fée (Peau d’âne, Demy 1970) ». Continuer la lecture de « De « Peau d’âne » (1970) à « Peau d’âme » (2017) : Pour une archéologie d’un tournage »

Chris Marker, les 7 vies d’un cinéaste

Fiche de synthèse – exposition temporaire

Chris Marker (1921-2012), cinéaste, a créé une œuvre multiforme en images fixes et animées, et en écrits, sur toutes sortes de support (pellicule, vidéo, bande sonore, numérique, papier, photographie). Tout au long de sa vie, il s’est approprié les évolutions et les découvertes techniques, lui-même étant un inventeur (la mise au point de logiciels par exemple), tout en s’associant avec d’autres créateurs, cinéastes, artistes, inventeurs, intellectuels, etc., en intégrant des larges influences, d’Alfred Hitchcock à Alexandre Medvedkine, en passant par Armand Gatti, Simone Signoret, André Bazin, Pierre Schaeffer…

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Montmartre décor de cinéma

Fiche de synthèse – exposition temporaire

Le quartier de Montmartre à Paris (18ème arrondissement, et limites du 9ème) fait l’objet de tournages de films depuis plus d’un siècle, soit comme « décor naturel », soit en tant que reconstitution.

Ses bâtiments, places et monuments emblématiques (comme le Moulin rouge, la basilique du Sacré-Cœur, la butte Montmartre, la place du tertre) et les noms associés au quartier (Pigalle, Barbès) se retrouvent dans bien des films, de toutes époques et de tous genres (dramatique, comique, policier, historique, etc.). Des films français en grande majorité, et quelques films américains. Depuis Onésime débute au théâtre, de Jean Durand (1913), avec une poursuite sur les toits du Gaumont Palace (immense salle située place Clichy à l’époque), au Fabuleux destin d’Amélie Poulain, de Jean-Pierre Jeunet (2001), en passant par des réalisations aussi diverses que Juliette ou la clé des songes, de Marcel Carné (1950), Baisers volés de François Truffaut (1968), Moulin Rouge (de John Huston, 1952 ; de Baz Luhrmann, 2001), ou Pigalle, de Karim Dridi (1994).

Affiches, photos, documents écrits, extraits de films composent l’exposition présentée, sur deux étages, au Musée de Montmartre – Jardins Renoir.

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Jean Rouch, l’Homme-Cinéma

Fiche de synthèse sur l’exposition temporaire

Jean Rouch, l’homme caméra

Dans le cadre des manifestations organisées à l’occasion du centenaire de la naissance de Jean Rouch (1917-2004),  la BnF présente une synthèse de l’œuvre cinématographique, scientifique et technique du cinéaste et anthropologue. Photographies,  films,  documents écrits,  objets techniques retracent la démarche de Jean Rouch :  idée de réalisation collective; importance de l’enregistrement sonore; travail dans la durée…
Pour Jean Rouch, le cinéma était conçu comme lien et moyen d’échange entre cultures, entre générations, et toujours matière à réflexion. Il était bien un “Homme-cinéma”, expression faisant évidemment penser à L’homme à la caméra, de Dziga Vertov, une référence pour l’ethnologue, selon laquelle la caméra peut aller partout : cf. ci-dessous les thématiques traitées dans l’exposition, des rituels de possession jusqu’à la vie en métropole, en passant par  la mise en scène du corps ou la mise au point de techniques d’enregistrement visuel et sonore. Un parcours est ainsi proposé par cet ensemble de travaux, de nature à constituer un patrimoine, matériel (les productions cinématographiques) et immatériel (les pratiques filmées et transmises par le cinéma).

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