Les Journées internationales du film sur l’art, 2021

Pour leur 14^ème édition, du 22 au 31 janvier 2021, les Journées internationales du Film sur l’art, organisées par le Musée du Louvre (présentées en ligne depuis l’auditorium de l’établissement, compte tenu de la crise sanitaire), ont traité de « La correspondance des arts » en associant peinture et sculpture, littérature, dessin, histoire, danse, philosophie, bande dessinée…

Portant sur des œuvres et sur des artistes, les films diffusés étaient accompagnés, en direct, de rencontres avec les réalisateurs ou des spécialistes de ces créateurs. Avec cette programmation, le festival nous permet d’interroger les modalités de transmission du patrimoine artistique à travers le film.

D’une œuvre à une autre

Ces journées ont été inaugurées, avec, en avant-première mondiale, Le Subtil Oiseleur, Foucault de Vélasquez à Picasso (2020, 60 min), d’Alain Jaubert. Outre ce film d’Alain Jaubert, auquel une « master class », avec Dominique Païni, était également consacrée, la manifestation avait invité le cinéaste pour fêter les 30 ans de sa collection « Palettes » (une cinquantaine de films retraçant l’histoire d’une œuvre, réalisés entre 1988 et 2003 ; production et diffusion : Arte). Dans cette collection, étaient proposés deux thèmes : « L’art de survivre », et « L’amour dans les plis ». L’art de survivre : Géricault, Le Radeau de la Méduse – La Beauté du désastre (2002, 30 min). Également sur le thème du naufrage, est présentée une toile d’un tout autre genre : Hokusai, La Vague – La Menace suspendue (1999, 30 min). A propos des deux tableaux, que le sujet soit historique ou fictif, il est relevé que l’une et l’autre évoquent des figures contre nature, monstre mythique (peinture française) ou dragon (toile japonaise). De façon plus classique de l’histoire de l’art, plusieurs influences ou liens sont repérables : Le Caravage ou Michel-Ange chez Géricault ; pour Hosukai : Monet (sa collection d’estampes, sa série des jardins à Giverny), Cézanne et la Sainte-Victoire, Matisse et l’encre de Chine…

Il ressort des films qu’une œuvre, même très connue, peut toujours faire l’objet de nouvelles découvertes, ne serait-ce que, comme c’est l’objet de cette manifestation, en rapprochant les œuvres entre elles. C’est d’ailleurs l’objet de la collection de montrer que l’histoire de l’art fait part de la potentialité créatrice des œuvres, au-delà de leur époque et de la conception d’origine, en rapprochant des œuvres entre elles, comme Le Radeau et La Vague, d’abord en suivant une lecture thématique (en l’occurrence, la survie). Dans le programme, L’amour dans les plis : « Le Verrou », Fragonard, vers 1775-1777 (1992, 30 min)

Portraits, vies et œuvres

La sélection de films présente tout ou partie de vies d’artistes et de leurs créations, souvent filmés dans leurs ateliers, maisons, bâtisses, constructions montrées comme inséparables de leurs occupants, et en tant que lieux de création à part entière, ainsi que lieux de vie. Une démarche de ce type fait entrer dans l’intimité des artistes – notamment avec leur famille –, sans indiscrétion pour autant, et permet d’apprécier la proximité entre réalisateurs et artistes, les premiers exprimant une admiration légitime envers les seconds, célébrant leurs œuvres. Ici, le cas de Merce Cunningham nous ouvre aux questions du patrimoine immatériel et de la préservation de la gestualité artistique grâce au film. Là, c’est une « œuvre qui (se) raconte » : les Mémoires de Casanova. Ailleurs, des témoignages qui se perpétuent (Josep). Ailleurs encore, la traversée du temps d’Ulrike Ottinger, etc…

Mémoires de lieux et de temps

Chargés de mémoire ou d’un passé relativement récent, des lieux restent inséparables de vies, qui donnent lieu à toutes sortes de récit.

L’art et la matière

En analysant leurs œuvres, les films montre les artistes aux prises avec les matériaux qu’ils ont choisis. Outre, logiquement, la lumière que les artistes travaillent – jusqu’à vouloir en rendre la transparence (Aubrun) ou la capter dans ses variations au cours du temps (Matisse) –, d’autres ressources que la peinture sont utilisées : papier, pierre métal, verre…

Pour montrer l’ensemble du processus de fabrication technique, les cinéastes incluent les métiers élaborant, reproduisant et diffusant les créations, en joignant paroles (le commentaire) et gestes (extraits de films) : dessinateur, graveur, imprimeur, éditeur (Hokusai) ; peintre-verrier et maître-verrier, dans une soufflerie de verre (Matisse) ; traitement du métal : soudure, ponçage, usinage, limage, découpe, dans une fonderie, où également on laisse se dérouler le phénomène naturel d’oxydation (Jaume Plensa) ; recours à toutes sortes de mélanges et supports (Yankel).

La sélection de films opère des croisements entre les modes d’expression, allant jusqu’à la métaphore, en considérant la peinture en relation avec la musique ou des musiciens : référence à Debussy (La Vague) ; le peintre vu comme un soliste (Aubrun) ; une composition picturale rapprochée d’une partition musicale exécutée par un orchestre (Matisse).

Si, logiquement, interviennent des spécialistes du monde de l’art – conservateurs de musée, enseignants, historiens, écrivains, restaurateurs d’œuvres, d’autres sont plus inattendus : un organiste, écho ou forme d’accompagnement aux chanteurs sur la toile (L’Agneau mystique) ; un neurobiologiste, parlant des huîtres comme d’un « symbole alimentaire de l’érotisme au cinéma » (Giacomo Casanova).

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